Sfocando i confini sia della finzione che della forma, i tre registi dell’esperimento cinematografico “A Woman Escapes” – Sofia Bohdanowicz, Burak Çevik e Blake Williams – hanno realizzato un ritratto assolutamente accattivante del dolore e dell’isolamento. Ogni regista si occupa rispettivamente della celluloide da 16 mm, del digitale 4K e del 3D stereoscopico (con qualche sovrapposizione), scambiandosi filmati e persino telecamere per un mese nei primi giorni di COVID-19. Il risultato è un epistolario decisamente moderno che cerca di commentare i modi in cui vediamo il mondo e la tecnologia attraverso la quale lo vediamo, attingendo da una vasta sezione trasversale di influenze artistiche per creare un pezzo del tutto originale.

Pochi film moderni richiedono la visione in un contesto teatrale nella misura in cui lo fa questo. Presenta, nei suoi minuti finali, un momento così elettrizzante metatestuale che trovare un paragone cinematografico è difficile, dato il grado in cui questo esperimento va oltre i propri confini, costringendo il suo pubblico a interagire con il mezzo narrativo stesso.

I parallelismi mainstream più vicini sembrano tutti frivoli. L’episodio di Black Mirror “Bandersnatch”, su cui è possibile fare clic con il telecomando o la tastiera, è stato un ingresso importante in una lunga serie di film interattivi, scegli la tua avventura che richiamavano i CD ROM per bambini. L’avventura per bambini di Robert Rodriguez “Spy Kids 4-D” è stata distribuita con carte gratta e annusa che emettevano profumi e odori specifici.

Il risultato è un epistolario decisamente moderno che cerca di commentare i modi in cui vediamo il mondo e la tecnologia attraverso la quale lo vediamo, attingendo da una vasta sezione trasversale di influenze artistiche per creare un pezzo del tutto originale.

Tuttavia, la presunzione in entrambi i casi comportava strumenti aggiuntivi il cui scopo era interattivo fin dall’inizio; piuttosto che rompere la finzione, l’hanno rafforzata. In “A Woman Escapes”, un’ora di narrazione coinvolgente e ipnotica è seguita da una scena che fa sobbalzare il suo ignaro pubblico in uno stato di iper-consapevolezza brechtiana, costringendolo a interagire non solo con lo schermo, ma con i loro occhiali 3D: il la stessa tecnologia attraverso la quale viene raccontata la sua storia – e l’uno con l’altro, grazie a un apparente problema tecnico in cui sembra che i loro occhiali possano aver funzionato male, portando gli spettatori a guardarsi intorno o fare il check-in con i loro compagni di posto per capire se sono soli dentro quello che stanno vedendo.

Trovare un analogo lontanamente paragonabile a questo momento potrebbe richiedere di andare oltre il mezzo cinematografico e cercare una fonte inaspettata: il videogioco seminale del 1998 di Hideo Kojima “Metal Gear Solid” – non per la sua politica o il tono violento, ma per il sfondamento della quarta parete natura del suo livello finale, in cui il giocatore non è in grado di migliorare il gioco fino a quando non esce dai suoi limiti fisici spostando i propri controller su una porta diversa. Ma anche così, la trasformazione del gioco da parte di Kojima da passivo ad attivo, mentre certamente porta la narrazione nel mondo reale, rimane individualista. In “A Woman Escapes”, all’improvviso quella che altrimenti potrebbe essere un’esperienza isolata diventa inequivocabilmente condivisa, un’idea su cui il film si basa attraverso i suoi ritratti di persone in lutto nei primi giorni di COVID-19.

La storia del film è profondamente personale, attingendo dalle esperienze personali di Bohdanowicz e dai film precedenti. Appaiono anche Çevik e Williams, spesso come voci disincarnate, ma Bohdanowicz impiega il talento dell’attrice e regista Deragh Campbell, che ha interpretato il suo avatar semi-fittizio Audrey in numerosi progetti. La prima cosa che sentiamo è la voce di Audrey che ripete tristemente il nome “Juliane”, come in una preghiera disperata, mentre le immagini di una donna anziana si materializzano come ricordi in 16 mm. Questa è l’astrologa Juliane Sellam, l’amica nella vita reale di Bohdanowicz e il soggetto del suo documentario ambientato a Montmartre “Casa del Bonheur” (“Casa della felicità”). Attraverso le sue vignette episodiche, quel film osservava i rituali quotidiani di Juliane per catturare la vivacità sia della sua vita interiore che dei suoi immediati dintorni.

Quando inizia “A Woman Escapes”, Juliane è morta di recente, lasciando quell’ambiente privo del calore e del movimento ritmico che una volta aveva portato loro. Audrey paragona la morte di Juliane a quella di sua nonna: una delle prime forme di perdita che gli esseri umani tendono a sperimentare, spesso da bambini, con conseguente creazione di ricordi fondamentali inestinguibili, come una prima forma di creazione di immagini.

Dal balcone di Juliane, Audrey osserva la vita che si svolge in lontananza. Il suo quartiere parigino cambia in modi minori ma evidenti sulla scia del COVID-19. Meno persone riempiono le strade; quelli che si avventurano non hanno altra scelta che prendere le distanze dalla maggior parte delle interazioni umane; e Audrey può osservare questi fenomeni solo dalla comodità sicura ma isolante del balcone di Juliane, in alto. Questo non è dissimile dalla premessa centrale del premuroso autoritratto della pandemia del 2020 di Mati Diop “Nella mia stanza”, anch’esso ambientato a Parigi, in cui Diop paragona similmente la morte di un nonno al sentimento della vita vissuta a distanza da se stessi.

Credito: Blue Magenta Films

È all’indomani della morte di Juliane che “A Woman Escapes” si svolge, con Audrey che ripulisce il suo appartamento parigino vuoto mentre corrisponde con Williams a Toronto e Çevik a Istanbul, ognuno dei quali sta vivendo delle proprie perdite personali (Çevik, per esempio, ha ha appena attraversato una rottura). Il contesto ampio è la perdita della società mentre la morte dilaga nei primi giorni del blocco del coronavirus, un trauma onnicomprensivo. Ciascuna delle vignette dei realizzatori, accompagnata da una voce fuori campo, vede i tre esplorare i rispettivi dintorni mentre si scambiano sogni e pensieri sparsi, insieme a una telecamera 3D portatile passata tra di loro. Questo trasferimento viene fornito con le istruzioni su quali clip ciascuno deve filmare, costringendoli effettivamente a vedere il mondo attraverso gli occhi degli altri.

La fotocamera 3D, che viene utilizzata principalmente per catturare inquadrature di paesaggi piuttosto che di persone, finisce per essere un perno narrativo vitale. Il 3D ha fatto parte dell’esperienza cinematografica in qualche modo da allora l’inizio del XX secolo, prima delle sue esplosioni commerciali in gli anni ’50 e ancora negli anni 2010, per gentile concessione di “Avatar” di James Cameron. Tuttavia, pochi cineasti hanno spinto i suoi limiti tecnologici. Martin Scorsese lo ha utilizzato per un uso claustrofobico in una manciata di scene in “Hugo”. Lo shlock stunt-acular “Jackass 3D” di Jeff Tremaine lo ha usato sia per fare satira sul ritorno alla ribalta del formato, sia per maciullare il corpo umano con una chiarezza che fa trasalire. E il maestro cinematografico Jean-Luc Godard, nel suo esperimento narrativo del 2014 “Goodbye to Language”, ha intrapreso un viaggio da capogiro attraverso il modo in cui gli esseri umani percepiscono la narrativa attraverso la vista e il suono, destabilizzando quella relazione arrivando al punto di disaccoppiare il vero percezione dei propri occhi sinistro e destro.

“A Woman Escapes” è molto nello spirito della decostruzione visiva di Godard, sebbene espanda la sua analisi formale al rovescio non solo piegando le immagini sullo schermo, ma creando l’illusione che lo schermo stesso possa ruotare o spostarsi, scambiando lo sfondo con il primo piano come priorità distorte, mentre Williams descrive ad Audrey la logica fisica fantasmagorica di un sogno inquietante che aveva una volta:

Il sogno si è evoluto e il tempo ha rallentato. Tutto quello che ho visto era al contrario. Alla rovescia. Hai commentato che il cielo sembrava una strada. Ti ho detto di smetterla di rubare le parole della gente.

Il film di 80 minuti ha iniziato il suo lancio al festival cinematografico lo scorso anno, seguito da una settimana nelle sale di New York lo scorso giugno. Sebbene possa probabilmente diventare disponibile per la visione domestica in qualche forma, vale la pena tenere l’orecchio a terra per le proiezioni 3D che potrebbero apparire di volta in volta: di solito vengono aggiornate su Sito web di Williams – perché il formato è parte integrante dell’esperienza. Mentre il 3D è così spesso usato per simulare (o ricreare) la realtà, la sua irrealtà in “A Woman Escapes” dà origine a nuovi modi di pensare alla forma.

Aiuta a filmare e concettualizzare ciò che altrimenti non sarebbe filmabile, come la sensazione di entrare in uno spettacolo di luci dell’artista Anthony McCall, o la pura natura travolgente e avvolgente del dolore e le sue sconcertanti conseguenze. Le tecnologie di duello del film commentano ciascuna vari aspetti di questa esperienza.

Il metraggio 3D si traduce spesso in una perdita di prospettiva. Le sfumature delle riprese per lo più in 16 mm di Bohdanowicz sono stupende da vedere, ma il rumore visivo del tessuto del film spesso rende sfocati i suoi primi piani ingranditi – un’incarnazione esteticamente adatta dello stordimento in cui si trova Audrey, mentre il tempo le scorre accanto senza notare, o crolla su di lei. Il filmato 4K di Çevik, sebbene significativamente più chiaro, è anche sterilizzato, privo delle dimensioni vissute del film fisico; è giusto che la prima volta che Çevik appaia, stia levigando un tavolo di legno, privandolo probabilmente del suo carattere.

Tutto ciò che ogni bit di tecnologia guadagna porta a una perdita su qualche fronte, infondendo così a ogni personaggio un senso di incompletezza. I loro rispettivi filmati, che ritraggono esperienze apparentemente banali, diventano interamente rappresentativi delle loro introspezioni durante un periodo tumultuoso, ma ciascuna di queste esteriorizzazioni estetiche sembra ritrarre un mondo interno fuori equilibrio. L’acutezza visiva e la consistenza fisica diventano reciproche esclusive, come la chiarezza emotiva e la profondità del carattere. Tuttavia, quando appare il filmato 3D di Williams, di solito crea una scintilla di intrigo, fornendo nuovi modi per guardare non solo ciò che ci circonda, ma anche se stessi. I suoi segmenti di voce fuori campo sono più intellettuali che emotivi, come per fornire percorsi neurali alternativi per rimanere semplicemente a galla nel mondo moderno, con le sue lamentele moderne. Non è tanto un richiamo allo stoicismo quanto all’autoriflessione attraverso una lente tecnologica.

È come se i tre cineasti condividessero i reciproci pensieri e sentimenti nei modi più profondamente personali.

Le sue riflessioni sul flusso di coscienza tradiscono la consapevolezza della sensibilità d’avanguardia del film e della sua natura inaccessibile (al pubblico in generale). Cita persino un carta accademica sull'”estetica della noia” ricreando al tempo stesso gli esperimenti visivi del tubo catodico del soggetto dell’articolo, il famoso videoartista del 20° secolo Nam June Paik, con bande di luce strette e nervose che tremolano sullo schermo, come scosse di luce vita e ispirazione nell’oscurità. Anche il 3D torna utile qui, piegando sia la luce che lo schermo in modi che probabilmente Paik avrebbe trovato divertenti, persino elettrizzanti.

Ogni fioritura estetica minore è un’incarnazione di un tempo e di un luogo specifici. La colonna sonora ricca di sintetizzatori di Sarah Davachi è un costante ronzio di sottofondo, che migliora la nostra percezione degli stati di intorpidimento dei personaggi mentre inizia l’estenuante ripetitività del blocco. Nel frattempo, la stessa Campbell ha scritto a mano i frequenti intertitoli tra le scene, notando il passare del tempo come voci di diario, meccaniche e spoglie. C’è un duello senso di intimità e svogliatezza nelle scene e nei ricordi. Ciò è reso ancora più inquietante dal fatto che la “trama” – scarsa in base alla progettazione – riguarda i cineasti che traducono e registrano nuovamente le reciproche voci fuori campo per creare arte remixata, ritraendo così un senso di trasferimento emotivo e psichico all’interno di un quadro artistico. È come se i tre cineasti condividessero i reciproci pensieri e sentimenti nei modi più profondamente personali.

Il film è tanto un lamento per i vecchi amici quanto lo è per i vecchi mezzi e tecnologie, mettendoli amorevolmente a riposo, ma incarna anche il costante assorbimento della psiche umana nel cinema. “A Woman Escapes” è, in sostanza, un elogio post-pandemia per tutto ciò che pensavamo di sapere, dalle modalità primarie dell’interazione umana: un’intera generazione ha iniziato la sua formazione su Zoom, una tecnologia noto per causare dismorfismo corporeo – a un ampio status quo in cui le vittime di massa che una volta sarebbero state accolte con indignazione sono ora tranquillamente accettate. Guarda verso un futuro strano, surreale e incerto, in cui i modi in cui le persone si relazionano agli schermi e al mondo che li circonda sono in costante cambiamento evolutivo. I confini tra interazioni quotidiane e narrazione visiva diventano sempre più sfumati, con le telecamere puntate su se stessi sia per la comunicazione di base, sia per la diffusione online della propria identità. Usando la sua oscillazione tra i mezzi filmici, “A Woman Escapes” cattura la natura mutevole di come vediamo in primo luogo.

La posta Fuga nello schermo apparso per primo su Verità.

Fonte: www.veritydig.com