Ken Loach dice che “The Old Oak” è il suo canto del cigno. Se è vero, il suo Il 17° lungometraggio presentato in anteprima a Cannes funge da perfetta pietra miliare per una carriera virtuosistica iniziata nel 1969 con la storia di un ragazzo e un uccello. Per mezzo secolo, Loach, che compie 87 anni questo mese, ha perseguito un progetto contrassegnato da misure più o meno uguali di indagine umanistica, dichiarazione politica e precisione artistica, racchiuso in un tipico realismo da lavello da cucina che ha influenzato una generazione di registi del realismo sociale come Lynne Ramsey e Andrea Arnold.
In linea con i punti salienti della filmografia di Loach, “The Old Oak” è palese nella sua visione politica e sociale senza essere utopico o didattico. Co-scritto dal partner di lunga data di Loach, Paul Laverty, è una storia di rifugiati la cui rappresentazione della lotta umana e dell’impollinazione culturale incrociata nella Gran Bretagna postindustriale è tipicamente gentile. Genera bellezza dalla semplicità dei personaggi mettendo in mostra le parti più crude e infiammabili di se stessi, fino a quando l’unica scelta rimasta è quella di abbracciare i propri vicini. Piuttosto che mostrarti com’è la solidarietà, Loach ti fa capire come ci si sente. Il risultato è uno dei suoi film più commoventi, una presentazione del mondo non come Loach pensa che dovrebbe essere, ma come potrebbe e può diventare, nonostante le sue e le nostre imperfezioni.
In linea con i punti salienti della filmografia di Loach, “The Old Oak” è palese nella sua visione politica e sociale senza essere utopico o didattico.
Il titolo del film si riferisce a un pub fatiscente in un ex villaggio minerario nel nord-est dell’Inghilterra. L’abbeveratoio è l’ultimo rifugio pubblico per i cittadini locali in mezzo a una grave recessione economica, e diventa un tranquillo campo di battaglia quando il villaggio vede un afflusso di rifugiati siriani, che non alterano tanto il tessuto della contea quanto inavvertitamente mettono a nudo numerosi fallimenti governativi e frustrazioni culturali. Sebbene gran parte del film sia incentrato sui cittadini locali, si apre con le fotografie scattate dalla giovane rifugiata Yara (Ebla Mari) il giorno in cui arriva con sua madre e i fratelli più piccoli. L’audio della scena viene riprodotto normalmente, catturando i dialoghi per intero. Ma le sue immagini fisse indugiano su momenti specifici e carichi di gentilezza e crudeltà in egual misura. Alcuni cittadini, come il proprietario di mezza età di Old Oak “TJ” Ballantyne (Dave Turner), si dedicano a dare una mano. Altri, come i clienti abituali dei pub come Charlie (Trevor Fox) e Vic (Chris McGlade), rendono noti i loro sospetti.
L’inimicizia etnica superficiale sarebbe stata una facile base per l’aggressione dei cittadini. Ma Loach dipinge un ritratto sfaccettato in cui il razzismo non è che uno dei numerosi catalizzatori culturali che guidano la psicologia locale. Anche ai personaggi più discutibili del film viene concessa la ricchezza che Loach di solito offre alle sue figure eroiche, poiché completano l’arazzo emotivo della città. che si sente abbandonato dalle istituzioni e dalle strutture che secondo lui avrebbero dovuto proteggere i suoi amici e la sua famiglia, tra garantire posti di lavoro e manutenzione infrastrutturale di base, piuttosto che dirottare fondi verso l’assistenza di estranei o consentire l’acquisto di appartamenti locali da parte di avvoltoi immobiliari per un fatturato facile. Il sardonico e schietto Vic, nel frattempo, chiede a TJ l’uso della stanza sul retro abbandonata dell’Old Oak – un tempo luogo di incontro per i sindacati minerari, fiancheggiata da fotografie scattate durante numerosi scioperi – al fine di tenere un forum pubblico per gli abitanti del villaggio residenti di lunga data a tracciare una linea nella proverbiale sabbia tra ciò che è loro e ciò a cui hanno diritto i rifugiati in arrivo. Il risultato sono tensioni interpersonali tra vecchi amici e compagni.
Ken Loach sul set di “The Old Oak”. Joss Barratt, Sedici film.
I rifugiati siriani hanno perso tutto, ma anche gli abitanti dei villaggi bianchi hanno perso molto. Senza giocare un facile gioco di entrambe le parti, “The Old Oak” offre un ritratto più sconfortante della moderna crisi dei migranti. Yara, una ragazza volitiva che ha imparato l’inglese dalle infermiere in un campo di migranti, tiene la testa fuori dall’acqua cercando di farsi strada con la gente del posto, spesso con l’aiuto di TJ. Questa dinamica è il cuore e l’anima del film, che descrive le trepidazioni iniziali e l’eventuale euforia sia della comprensione reciproca che dell’aiuto reciproco. Mentre il film va avanti, Yara e TJ si scambiano storie personali e trovano un terreno comune attraverso storie di resistenza e cibo; “Quando mangi insieme, rimani unito”, uno striscione di una vecchia foto del sindacato, diventa il loro motto nel presente.
La città ha una lunga storia di attività sindacale, di cui i suoi cittadini sono orgogliosi. I suoi fallimenti nel corso degli anni, tuttavia, li hanno lasciati esausti verso il solo pensiero dell’ottimismo e riluttanti ad espandere la loro idea di unità, se corre il rischio che qualcuno invada ciò che vedono come loro. Le schermaglie che ne derivano sono una lotta sia per la storia che per lo spazio pubblico, con tensioni che ribollono attraverso la violenza e il sabotaggio che sembrano in definitiva fatali, dal momento che le frustrazioni della gente del posto raramente sono rivolte a coloro che sono veramente responsabili delle loro difficoltà economiche. I colpevoli sono troppo in alto nella scala, troppo fuori portata.
TJ e Yara hanno una ricca interiorità intellettuale ed emotiva, che Loach a sua volta nasconde sotto un naturalismo familiare. (Il modo in cui conosciamo di più TJ è attraverso le sue amorevoli interazioni con il suo adorabile cucciolo Marra, o nei momenti di banale frustrazione, come quando cerca di riparare la segnaletica fatiscente del pub). Il senso della realtà cinematografica di Loach nasce spesso da una cinepresa documentarista che consente ad attori non professionisti di recitare in riprese lunghe e ininterrotte, che cattura da angolazioni oblique, consentendo a sua volta di sostenere le dinamiche tra i personaggi (e le loro relazioni con gli spazi che li circondano). l’onere della narrazione nella maggior parte delle scene, specialmente quelle con dialoghi abbondanti. Ciò che spesso manca nei film di Loach, specialmente in “The Old Oak”, sono i momenti in cui alla fine distoglie l’attenzione dai suoi ritmi più colloquiali, verso una forma di narrazione più calcolata e operistica. Può passare da uno all’altro con una tale fluidità che il passaggio spesso passa inosservato.
L’inimicizia etnica superficiale sarebbe stata una facile base per l’aggressione dei cittadini. Ma Loach dipinge un ritratto sfaccettato in cui il razzismo non è che uno dei numerosi catalizzatori culturali che guidano la psicologia locale.
Nei momenti delle confessioni personali e del dolore dei suoi personaggi, cattura TJ e Yara in primi piani isolati e frontali che possono sembrare scelte di ripresa discutibili in contrasto con il suo solito approccio discreto. Tuttavia, Loach scivola in questa intimità cinematografica non prima o dopo queste conversazioni, ma durante esse, permettendo alle interpretazioni vissute dei suoi attori di agire come tessuto connettivo estetico tra le sue modalità naturalistiche e formaliste. Cambiare gli obiettivi della fotocamera quando si passa da un campo medio a un primo piano non è affatto rivoluzionario, ma nelle mani di Loach e del suo direttore della fotografia, Robbie Ryan, il passaggio da un obiettivo grandangolare a un teleobiettivo non solo offusca lo sfondo, ma isola il personaggi del tempo e dello spazio. È come se i loro monologhi – durante i quali raggiungono momenti dolorosi o resilienti del loro passato – avessero lo scopo di ancorarli a un presente instabile. Il film vive e respira attraverso i dolori che lasciano non detti, fluttuando nell’etere sfocato.
C’è un pervasivo senso di solitudine fisica ed emotiva che i personaggi cercano di superare, un’idea che Loach contrasta utilizzando fotografie scattate da Yara nel presente e dal padre di TJ decenni fa durante i vari scioperi minerari, catturando momenti di gioia e unità. Queste vivaci foto sono frammenti di storia senza ormeggio, che rappresentano una forma di solidarietà esuberante che ora sembra irraggiungibile – ammesso che sia realmente esistita, in qualsiasi forma più tangibile della nostalgia paterna di TJ. Eppure, rappresentano un credo guida che esiste nel subconscio collettivo e nella memoria della città, il modo in cui le immagini cinematografiche di Loach iniziano da un punto di realismo e finiscono per trasformarsi in qualcosa di ambizioso. Le persone in foto come quelle di TJ sono morte da tempo, ma nel suo ultimo film, Loach afferma la loro immortalità in un certo senso, come se le loro storie di unità dei decenni passati, testimoniate e raccontate oggi, le facessero rinascere.
La politica dei film di Loach è raramente sottile, ma sono più che affermazioni di tesi politiche. Il suo progetto cinematografico di lunga data è quello di rappresentare le circostanze strazianti imposte ai lavoratori e agli oppressi da una classe dirigente insensibile, senza imbiancare o sabbiare i sogni, i desideri e le debolezze di coloro che vengono repressi. In definitiva, è la riconoscibile resilienza di queste persone che dà loro la possibilità di respingere e rivendicare le loro narrazioni. La sua politica non è nulla senza le vite umane in cui è radicata, perché cosa sono le storie se non combustibile per incendi ancora da appiccare?
La posta Ken Loach per sempre apparso per primo su Verità.
Fonte: www.veritydig.com