Nonostante numerosi tentativi da satirici armati di intelligenza artificiale, Wes Anderson rimane l’unica persona in grado di generare qualcosa di unico dal set di dati della sua filmografia. Dove Tendenze TikTok ispirate ad Anderson e A.I. le imitazioni sfiorano semplicemente la superficie colorata, i remix del regista attingono da un pozzo più profondo di influenze – Satyajit Ray, Kurosawa Akira, la New Wave francese – dando vita a film che sono tipicamente riverenti verso il passato, mentre spingono l’evoluzione del suo cinema. “Città degli asteroidi” è l’ultimo pezzo d’insieme costellato di star in questo senso, un nuovo spettacolo di dimensioni spielbergiane che indossa le sue influenze sulla manica e trabocca delle delizie lo-fi della fantascienza degli anni ’50.
La storia segue diverse famiglie i cui figli adolescenti sono stati selezionati per una convention Junior Stargazer degli anni ’50 vicino a un sito di test nucleari del New Mexico. Sebbene Anderson dispieghi una manciata dei suoi soliti svolazzi, i suoi caratteristici pastelli sono più tenui e la sua fotocamera fluida non sembra proprio riuscire ad atterrare sui suoi soggetti al momento giusto; attraversa ampi spazi deserti aperti come se cercasse risposte. Questo squilibrio stilistico va di pari passo con l’instabile nucleo emotivo del film: un padre di mezza età, August “Augie” Steenbeck (Jason Schwartzman), deve dare la notizia al figlio adolescente e alle figlie preadolescenti che la loro madre è morta, trovando anche la forza di andare avanti se stesso.
Bill Murray siede alla sua scrivania in un momento di riflessione apprensiva. Immagine: immagini di Searchlight.
Il racconto esiste come finzione all’interno del film. Le vivide immagini “Andersoniane” che vediamo sono una rappresentazione cinematografica immaginaria di uno spettacolo teatrale sulla storia di Augie, che si svolge come un teleplay in stile “Twilight Zone” condotto da Bryan Cranston che interpreta il suo miglior Rod Sterling. All’interno di questo programma televisivo in bianco e nero, Schwartzman interpreta un attore che si prepara a interpretare Augie sul palco, come se questo Anderson regolare, che una volta ha iniziato la sua carriera come un adolescente dalla faccia fresca e impaziente in “Rushmore”, si fosse riempito cerchio interpretando un padre Anderson prototipicamente distante. La morte, a quanto pare, lo ha costretto a maturare.
Chi è Augie Steenbeck, e la sua storia conta anche quando viene avvolta in così tanti strati metatestuali di storie all’interno di storie? Questa è stata una domanda centrale che affligge la carriera di Anderson almeno fin da “The Royal Tenenbaums”. Quel film del 2001, il suo terzo lungometraggio, mostrava i primi accenni all’estetica del “libro di fiabe per bambini” del regista (che in seguito si sarebbe solidificato in film più incentrati sui bambini come “Moonrise Kingdom”). Nonostante il suo aspetto ricoperto di caramelle, “Tenenbaums” ha affrontato temi maturi come il suicidio e il distacco paterno, dando una rima e una ragione distinte ai personaggi impassibili del film e alla noia tonale.
Chi è Augie Steenbeck, e la sua storia conta anche quando viene avvolta in così tanti strati metatestuali di storie all’interno di storie?
“Asteroid City”, l’undicesimo film di Anderson, presenta molti di questi tratti distintivi mentre continua anche la più recente tendenza di Anderson di usare storie all’interno delle storie. Questi sono stati una parte fondamentale dei suoi film per qualche tempo – la produzione teatrale in “Rushmore”, il documentario in-world in “The Life Aquatic with Steve Zissou” – ma solo con “The Grand Budapest Hotel” nel 2014 Anderson ha realizzato completamente realizzare la sua visione della meta-fiction. “Grand Budapest” è essenzialmente una storia di fuga dalla persecuzione nazista, sebbene distorca i dettagli della seconda guerra mondiale presentando un film-libro pop-up contenuto in un’intervista condotta decenni dopo, a sua volta trasformato in un romanzo letto da una bambina in seguito Ancora. I fatti del vero Olocausto possono essere assenti, ma la loro verità emotiva viene consegnata con un cucchiaio di zucchero per aiutare con l’amarezza, sebbene la storia raccontata sia occasionalmente così amara e orribile che persino il narratore Zero Mustafa (F. Murray Abraham) rifiuta per ricordarne i dettagli più raccapriccianti.
Dove “Grand Budapest” sostiene lo stile di Anderson come filtro necessario per le atrocità, “Il dispaccio francese“è una resa dei conti molto più diretta, specialmente nelle sue sezioni influenzate dalla rivoluzione francese del maggio ’68. Ispirato dagli articoli del New Yorker che Anderson è cresciuto leggendo, il film è preconfezionato in uno strato editoriale pensato per solleticare l’intelletto. Presenta ogni storia del film come un pezzo di giornalismo ricordato in un secondo momento, di solito dallo scrittore, su argomenti come le proteste studentesche, un pittore nel braccio della morte e la persecuzione di un autore ispirato a James Baldwin (che, come Anderson , cerca un’influenza artistica affine in Francia, piuttosto che negli Stati Uniti). Usa “The French Dispatch” per mettere alla prova i suoi limiti stilistici, creando diorami viventi e facendo girare la sua macchina fotografica sui tavoli da pranzo mentre vengono serviti piatti deliziosi – è un diario di viaggio da sogno – ma dopo aver esteso la sua estetica a questo livello, l’elastico scatta di nuovo in posto in “Asteroid City”, che si sente molto più a suo agio lasciando che le sue prestazioni e gli elementi di design parlino da soli.
L’ansia è palpabile anche in “L’isola dei cani” di Wes Anderson. Immagine: immagini di Searchlight.
Tutti questi elementi sono tratti da diversi film nel corso della carriera di Anderson. Presenta fragili vagoni ferroviari la cui irrealtà fisica è intenzionalmente non corrispondente a un senso di realismo emotivo – i treni di Anderson potrebbero anche essere metafore per il suo stesso cinema – à la ‘The Darjeeling Limited’ del 2007, un’altra storia di Anderson sul dolore. Gli orrori nucleari si svolgono anche molto sullo sfondo, come nel suo delizioso (se culturalmente incerto) film in stop-motion “L’isola dei cani”. Quest’ultimo potrebbe essere ambientato in un Giappone futuristico, o in una versione del Giappone che esiste nell’immaginario cinematografico occidentale (nonostante il suo vista autentica della politica giapponese, la scrittrice di racconti di cortesia Nomura Kunichi) – ma il suo sfondo riecheggia occasionalmente i veri orrori inflitti ai giapponesi dagli Stati Uniti, sia in Giappone che negli Stati Uniti, durante la seconda guerra mondiale. Il film segue canini sardonici e dalla parlata veloce il cui internamento forzato ha almeno una vaga somiglianza con la diffusa prigionia di cittadini americani di etnia giapponese negli anni ’40, mentre le sue animazioni a forma di fungo (e la sua ambientazione, la città fittizia di “Megasaki”) sono un ricordo molto più evidente delle bombe atomiche sganciate su Nagasaki e Hiroshima.
Tra “Grand Budapest”, “Isle of Dogs”, “The French Dispatch” e “Asteroid City”, il lavoro di Anderson negli ultimi dieci anni non ha solo cercato di trasformare i tratti distintivi stilistici delle sue influenze della metà del XX secolo. Ha anche cercato di riflettere, attraverso il suo approccio estetico, sulle influenze culturali e politiche proprio sui film da cui prende in prestito le sue immagini in primo luogo. I tratti distintivi del cinema giapponese del dopoguerra sono stati a lungo i favoriti accademici e casuali in Occidente, tra Kurosawa, Ozu Yasujiro e i film di Godzilla, ma che ci fosse bisogno di una tale ricostruzione cinematografica in primo luogo è una fastidiosa realizzazione che sembra per riecheggiare da qualche parte nel subconscio di “Isle of Dogs” (e anche di “Asteroid City”). E così, esplora il significato delle sue stesse immagini avvicinandole in modo più esplicito come finzione all’interno dei suoi film, e quindi più immediatamente mature per essere viste come creazioni di autori che spesso appaiono sullo schermo. Le sue firme visive sono sempre state riconoscibili, ma invece di rifuggire da questo fatto, si appoggia ad esso, chiedendo un maggiore controllo nel processo.
La città fittizia di Asteroid City è costantemente sullo sfondo di funghi atomici. I Junior Stargazers potrebbero avere gli occhi puntati sulla luna, ma Anderson è più interessato ad attingere alle ansie della prima Guerra Fredda, come si riflette nella fantascienza del periodo (come “Twilight Zone” ospitata da Sterling). In “Asteroid City” abbondano le domande sulla natura della vita e della morte – domande poste dai bambini alla frustrazione degli adulti incapaci di rispondere – che culminano nell’ansia esistenziale che accompagna l’atterraggio di un disco volante, il cui design è ripreso direttamente dalla copertina di un romanzo pulp di fantascienza degli anni ’50.
Edward Norton esamina i titoli inquietanti della giornata. Immagine: immagini di Searchlight.
Tuttavia, l’UFO non è semplicemente un UFO. A differenza degli eleganti piattini argentati che ricordano la fantascienza dell’epoca, questo si illumina di verde. Come il carico del bagagliaio in “Repo Man”, evoca la radioattività e la morte per fallout. Ancora una volta, Anderson pone i veri orrori – i veri test nucleari – molto sullo sfondo, a favore delle loro versioni da libro di fiabe. La ricaduta emotiva di questo incontro alieno è destabilizzante tanto quanto la minaccia esistenziale della “bomba”. Non solo i bambini non sono in grado di comprendere appieno la mortalità in “Asteroid City”, ma i loro genitori sono tristemente mal equipaggiati per affrontare le domande da soli, specialmente una volta arrivati gli alieni.
Anderson lega ulteriormente queste ansie ai loro equivalenti contemporanei – è il suo primo film scritto dopo il COVID-19 – costringendo i suoi personaggi alla “quarantena” dopo l’incontro alieno, come se la nave contenesse agenti patogeni virali. Come nei primi giorni dell’era nucleare, la morte è stata nell’aria sin dagli albori del COVID, costringendo bambini e adulti a lottare con la mortalità molto più e molto prima del solito.
Ancora una volta, Anderson pone i veri orrori – i veri test nucleari – molto sullo sfondo, a favore delle loro versioni da libro di fiabe.
Molti dei film di Anderson hanno riguardato il dolore, le questioni paterne e le questioni filiali in generale. Ma “Asteroid City” è il primo ad essere raccontato dal punto di vista dei genitori. Forse non è una coincidenza che mentre i primi film di Anderson erano stati ispirati dal divorzio dei suoi genitori – un tema ricorrente nei film di fantascienza di Spielberg che hanno influenzato “Asteroid City”, come “E.T.” e “Incontri ravvicinati del terzo tipo” — i suoi film da quando è diventato padre nel 2016 hanno cambiato il loro approccio e la loro comprensione della genitorialità. Le sue storie di genitori e figli ora comprendono l’idea della mortalità sia in astratto – attraverso elucubrazioni su minacce esistenziali invadenti e il peso degli orrori del passato insegnati nei libri di storia – sia direttamente ed esplicitamente. Laddove i suoi personaggi una volta erano costretti ad affrontare la morte dei genitori, ora piangono partner romantici, il che li lascia emotivamente esposti non solo alla possibilità di un isolamento permanente, come in Zero in “Grand Budapest Hotel”, ma a riflessi immediati sui propri impermanenza mentre devono riflettere sul futuro dei propri figli in loro assenza, come fa Augie Steenbeck.
Steenbeck condivide un nome con il macchine di montaggio analogiche responsabile di così tanti film di Anderson e dei suoi antenati cinematografici. È una versione dell’Anderson maturo, il modo in cui il personaggio del liceo di Schwartzman in “Rushmore” ha attinto all’ingenuità giovanile del regista. Ora vive in un mondo sull’orlo del collasso, dove è difficile se non impossibile aggrapparsi a cose infantili e dove la morte bussa costantemente alla sua porta. Eppure, la vita persevera. Continua a creare mondi unici per lui, mondi familiari anche se si evolvono per accogliere nuove fasi della vita e l’inevitabilità della morte – l’ultima pagina anche del libro di fiabe più stravagante.
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Fonte: www.veritydig.com