“Quando le persone pensano a Los Angeles, pensano prima di tutto al cinema e alla televisione”, afferma Meghan Pressman, CEO e amministratore delegato del Center Theatre Group (CTG). In effetti, dall’inizio del XX secolo, Los Angeles è stata a lungo associata a Hollywood. Ma il fatto è che, sebbene sia generalmente trascurato e si trovi a circa 2.500 miglia da Broadway, la “Città degli angeli” ospita anche una fiorente scena teatrale, con caratteristiche uniche di Angeleno. Come il drammaturgo Stephen Sachs scrive:
“[M]ore teatro è prodotto a Los Angeles, più produzioni di commedie e musical, che in qualsiasi altra città del mondo – più di New York, Chicago o Londra… [e] Los Angeles ospita più artisti che lavorano di qualsiasi altra altre grandi metropoli degli Stati Uniti, tra cui New York[.] Secondo un rapporto commissionato dal Center for Cultural Innovation … Los Angeles ospita il più grande pool di artisti di qualsiasi città della nazione. Los Angeles supporta più di cinque volte più artisti (attori, registi, produttori) che superano di gran lunga New York”.
Sachs, che ha co-fondato il Fountain Theatre di Los Angeles nel 1990, aggiunge che la città ha “centinaia di teatri che producono più di mille spettacoli all’anno”. Riconosce che “Questi fatti suscitano sempre sguardi sorpresi”, ma insiste sul fatto che “L.A. è il numero uno a livello nazionale per quantità di teatro prodotto, ma lotta ancora per essere percepito come una città del teatro, anche se è notevolmente migliorato.
La pandemia non ha aiutato questa percezione errata poiché (come tante altre arene pubbliche in tutto il mondo) i luoghi del palco dal vivo di Los Angeles sono stati chiusi e la strada per tornare alle luci della ribalta è stata irta di difficoltà. Il Pressman di CTG lamenta che nel dicembre 2021, l’Ahmanson Theatre “ha finito per cancellare 22 delle 40 rappresentazioni della produzione [di ‘A Christmas Carol’] a causa del COVID-19 e perdere circa 1,5 milioni di dollari. Il prossimo spettacolo all’Ahmanson è stata la nostra presentazione di “Everyone’s Talking About Jamie”. Anche se non abbiamo annullato quella produzione, abbiamo assistito a una significativa riduzione del pubblico a causa [della variante Omicron COVID-19], anch’essa stimata a circa $ 1,5 milioni di perdite… La maggior parte del 2022 è stata una lotta”.
In questa panoramica scaviamo nella legittima arena del teatro contemporaneo di Los Angeles: in cosa consiste; la gamma di palchi dal vivo; nicchie e specialità teatrali; come Hollywood influisce sulle prestazioni sui tabelloni; come sta andando il palco dal vivo ora che stiamo emergendo dalla peggiore pandemia e altro ancora.
Lo spettro spaziale degli stadi di Los Angeles
La contea di LA offre più spazi per spettacoli dal vivo per drammi, commedie e musical che forse in qualsiasi altra parte degli Stati Uniti, con un’ampia varietà di luoghi (il numero di posti può variare a seconda delle configurazioni di set e palchi). Per quanto riguarda i punti vendita più grandi, la più grande casa al coperto che presenta regolarmente teatro è il Pantages Theatre di Hollywood Boulevard da 2.691 posti, un ex palazzo del cinema aperto nel 1930 e dove si sono svolti anche spettacoli di vaudeville e serate di gala (come la cerimonia annuale degli Academy Awards). presentata. L’Ahmanson Theatre, fiore all’occhiello di CTG, situato presso il Downtown’s Music Center, può ospitare fino a 2.000 persone. (Anche il Dorothy Chandler Pavilion e la Disney Concert Hall progettati da Frank Gehry fanno parte del Music Center, ma sono principalmente luoghi per l’opera e altri spettacoli orchestrali e classici dal vivo, non di teatro in sé.)
Il La Mirada Theatre for the Performing Arts, costruito nel 1977 – che il LA Times ha definito “una delle migliori case in stile Broadway nel sud della California” – ha 1.251 posti a sedere. Le case più grandi sono senza dubbio le controparti di Los Angeles dei luoghi che fiancheggiano la Great White Way di New York.
Il Pantages Theatre da 2.691 posti di Hollywood Boulevard è un ex palazzo del cinema aperto nel 1930, dove sono stati presentati sia spettacoli di vaudeville che serate di gala (come la cerimonia annuale degli Academy Awards).
Le case di medie dimensioni, come il Kirk Douglas Theatre di CTG a Culver City, hanno fino a 317 posti a sedere. Il Gil Cates Theatre della Geffen Playhouse, a Westwood, ospita 512 acquirenti di biglietti. Questi locali di medie dimensioni sono gli equivalenti approssimativi di Los Angeles ai teatri off-Broadway di New York.
La maggior parte dei teatri dal vivo di Los Angeles ospita 99 o meno acquirenti di biglietti e sono chiamati “teatri intimi”. Sono il parallelo L.A. degli spazi off-off-Broadway di New York e includono il Fountain Theatre da 80 posti all’incrocio tra Fountain e Normandie Avenue, e Rogue Machine, attualmente in residenza presso il Matrix Theatre da 85 posti su Melrose Avenue.
Teatro all’aperto
Il Delacorte Theatre all’aperto di Manhattan può presentare “Shakespeare in the Park”, ma spesso il soleggiato La-La-Land vanta una serie di anfiteatri, tra cui il Theatricum Botanicum di Will Geer nel Topanga Canyon e il Barbara e Lawrence Fleischman Theatre alla Getty Villa di Malibu. Sebbene sia principalmente un luogo dove godersi concerti pop e classici sotto le stelle, il famoso Hollywood Bowl da 17.500 posti, arroccato sulle colline di Hollywood, dal 1922 presenta periodicamente produzioni teatrali, di solito musical come “South Pacific”, “A Chorus Line” e “Capelli”.
Topanga Canyon, 25 dicembre 2011 / Foto di Kent Kanouse, Flickr
Anche il John Anson Ford Theatre nel Cahuenga Pass è principalmente per eventi musicali, ma a partire dagli anni ’20, l’anfiteatro da 1.200 posti ha talvolta ospitato spettacoli teatrali. In quella che è una risposta diretta alla pandemia, nel giugno 2021, il Fountain Theatre ha abilmente trasformato il suo parcheggio adiacente in un palcoscenico all’aperto conforme ai protocolli COVID per gli spettacoli estivi.
Inoltre, ci sono un certo numero di compagnie teatrali di Los Angeles che si esibiscono, generalmente senza ingresso (come a Central Park) nei parchi pubblici. Secondo la famosa pubblicista di Los Angeles Lucy Pollak, ogni estate, l’Independent Shakespeare Co. mette in scena lo Shakespeare Festival al Griffith Park, mentre Shakespeare by the Sea monta i classici del Bardo al Point Fermin Park di San Pedro e altrove a Los Angeles, Ventura e Orange County parchi. Il Rogue Artists Ensemble si è esibito al Plummer Park di West Hollywood, mentre ad agosto The Actors’ Gang presenta “Free Shakespeare in the Park for Families” al Media Park, adiacente allo spazio da 99 posti Ivy Substation di The Gang a Culver City. (Il teatro greco all’aperto da 5.900 posti di Griffith Park presenta principalmente concerti pop.)
La dimensione conta
La dimensione della sede gioca spesso un ruolo chiave nel determinare il tipo di sale di produzione presenti. Secondo Sachs: “Los Angeles offre teatro in luoghi grandi e piccoli, tour di Broadway, nuove opere di scrittori locali, opere classiche, avanguardie e compagnie con artisti che riflettono l’ampio spettro culturale della città”.
Con un occhio attento agli incassi al botteghino, le case più grandi – che per loro natura sono generalmente più costose da gestire – tendono a presentare piaceri della folla, comprese esibizioni speciali visitando New York City e altre compagnie teatrali fuori città degne di nota. Pressman di CTG afferma: “L’Ahmanson Theatre è tradizionalmente la nostra casa per acclamati musical e produzioni su larga scala. La maggior parte delle offerte all’Ahmanson include tour nazionali, impegni speciali o produzioni direttamente da Broadway o da quelle dirette lì. In questa stagione, come compagnia, abbiamo già prodotto due spettacoli all’Ahmanson che hanno aspirazioni a Broadway: “2:22 — A Ghost Story” e “The Secret Garden”.
La stagione 2023-2024 di “Broadway in Hollywood” dei Pantages è ricca di musical, tra cui “Il re leone”, “Six” della Disney (sulla mezza dozzina di mogli di Enrico VIII), “Tina: The Tina Turner Musical”, “Beetlejuice”, “Chicago” e “Les Miserables”, pubblicizzati come “il musical più popolare al mondo”.
Il Teatro La Mirada segue una formula simile “dai-alle-persone-quello-che-vogliono”, tirando fuori revival di veri e propri ricostruiti di successi di Broadway come “Grease”, “Il re ed io”, “Joseph e the Amazing Technicolor Dreamcoat” e il musical jukebox “On Your Feet! The Story of Emilio & Gloria Estefan”, nel 2023. Per aumentare la vendita dei biglietti, queste produzioni spesso includono cast con artisti di alto profilo (più su questo sotto).
Pressman descrive il fulcro delle due case di medie dimensioni di CTG: “Il Mark Taper Forum [739 posti] è il nostro palcoscenico per classici senza tempo e grandi produzioni di drammaturghi affermati e degni di nota alla ricerca di un’istituzione iconica da chiamare casa. È meglio conosciuto come la casa originale di spettacoli storici come “Angels in America”, “Zoot Suit” e “Twilight: Los Angeles, 1992”, tra gli altri.
Aggiunge: “Il Kirk Douglas Theatre di Culver City è il nostro teatro più piccolo e l’unico luogo in cui operiamo che non si trova nel Music Center Plaza nel centro di Los Angeles. Il Kirk Douglas Theatre è la nostra sede di nuovi lavori ed è dedicato all’edificante Los Angeles artisti mentre producevano teatro audace, all’avanguardia e talvolta sperimentale.
Il REDCAT di medie dimensioni, il centro multidisciplinare per le arti contemporanee da 250 posti del CalArts (California Institute of the Arts), situato dietro la Disney Concert Hall, presenta danza artistica, spesso importata, film e video, musica e teatro dal vivo. A febbraio, REDCAT ha portato il Wooster Group (co-fondato a metà degli anni ’70 dal quattro volte candidato all’Oscar Willem Dafoe) attraverso il continente dal suo garage di Lower Manhattan per mettere in scena “The Mother”, Lehrstücke del 1932 di Bertolt Brecht (tedesco per ““ lezione teatrale”) sulla rivoluzione russa.
Il teatro di Los Angeles gestisce tematicamente la gamma
Per usare un’analogia cinematografica: mentre le case più grandi del teatro di Los Angeles generalmente presentano l’equivalente delle grandi produzioni in studio, i palchi intimi e di medie dimensioni di Los Angeles sono le controparti dei film indipendenti e hanno maggiori probabilità di cogliere possibilità creative. I posti da 99 e meno tendono a montare opere più originali, spigolose e sperimentali rivolte a frequentatori di teatro più avventurosi. Meno ossessionati dalla linea di fondo, molti spazi intimi vedono portare il teatro dal vivo al pubblico come una vocazione artistica e persino spirituale.
Melanie Neilan e Dennis Renard in “Come Get Maggie” al Rogue MachineTheatre
Secondo Fountain’s Sachs: “Le organizzazioni teatrali a Los Angeles e a livello nazionale si sono impegnate nell’autovalutazione razziale, culturale e di genere sin dalla pubblicazione di” We See You, White American Theatre “nel giugno 2020 [una lettera alla comunità teatrale firmata da più di 300 neri, indigeni e persone di colore]. Questa è una buona cosa. Più donne e persone di colore vengono assunte come direttori artistici, il personale sta diventando più diversificato e le sale riunioni si stanno riconfigurando per riflettere meglio le comunità che servono. Come dice la canzone di Sam Cooke, “Ci è voluto molto tempo, ma il cambiamento arriverà”.
John Perrin Flynn, direttore artistico di produzione di Rogue Machine, osserva: “Alcuni teatri cercano di servire comunità o gruppi etnici specifici. Questo è stato uno sviluppo relativamente nuovo e incoraggiante nella piccola comunità teatrale”.
Di seguito sono riportati alcuni esempi importanti sul fronte politico, etnico e di genere.
Entra nel palco a sinistra
La missione di The Actors’ Gang, secondo loro sito web, è quello di “presentare spettacoli nuovi, non convenzionali e senza compromessi e reinterpretazioni dinamiche dei classici, per ripristinare l’antico senso del palcoscenico come spazio sacro condiviso, per presentare il teatro ai bambini e aiutarli a trovare le proprie voci creative, per portare la libertà di auto-espressione ai carcerati”. (The Gang gestisce gli ambiziosi Progetto carcere per insegnare arti drammatiche ai californiani imprigionati.)
Prendendo spunto dal co-fondatore e direttore artistico di Gang, Tim Robbins, molte delle commedie della troupe si inclinano a sinistra, come “Embedded” del 2003, una delle prime produzioni a criticare l’amministrazione Bush e la sua guerra di aggressione non provocata contro l’Iraq, scritta e diretto da Robbins. Mentre il regime di Trump attaccava immigrati e rifugiati, la Banda esaltava coloro che “desideravano respirare liberamente” in America in “The New Colossus” del 2018. The Actors’ Gang è spesso anarchico nella forma e nei contenuti, comprese le produzioni del drammaturgo italiano di sinistra Dario Fo “Morte accidentale di un anarchico” nel 2019 e il suo premio Nobel “Can’t Pay? Don’t Pay!, che è stato presentato per la prima volta nel 2020. Al momento della stesura di questo articolo, lo spettacolo attuale di The Gang è la versione con il timone di Robbins di Ubu the King, un classico dadaista rauco, ribelle e antiautoritario dello scrittore francese Alfred Jarry, che come molti spettacoli Gang, non è convenzionale nello stile e nella politica.
Sul suo sito web, il Theatricum Botanicum (WGTB) di Will Geer da 299 posti afferma la sua missione di “elevare, educare e intrattenere il pubblico di tutte le età presentando classici stimolanti, spettacoli socialmente rilevanti e programmi educativi in un bellissimo santuario naturale all’aperto per le arti. Trasmettendo il senso della storia a giovani e adulti, le grandi opere d’arte informano il loro presente e ispirano il loro futuro. Un vero teatro rinascimentale, offriamo una varietà di programmazione da Shakespeare alla poesia, alla musica popolare, allo sviluppo di futuri drammaturghi, tutto per aiutare a capire il mondo in cui viviamo e ad abbracciare la nostra umanità condivisa.
Attualmente celebra il suo 50° anniversario come organizzazione senza scopo di lucro incorporata, il conto annuale della stagione estiva del WGTB presenta un mix eclettico di standard di Shakespeare, piatti vintage serviti con un tocco contemporaneo e rilevante e debutti di opere originali, eseguite nel repertorio da giugno a inizio ottobre. Insieme all’eterno favorito “Sogno di una notte di mezza estate”, quest’anno vengono messi in scena “Macbeth” e “La guerra delle rose” del Bardo, insieme a “A Perfect Ganesh” ambientato in India di Terrence McNally.
“Niente può essere paragonato al teatro dal vivo. Non è mai lo stesso. Ogni notte è diversa. C’è sempre un elemento di improvvisazione. Il pubblico sta vivendo lo spettacolo in comunità, insieme. Il pubblico del teatro dal vivo partecipa all’esperienza, non osservatore, e impariamo dall’esperienza.
— Il co-fondatore di Rogue Machine, John Perrin Flynn
Lo scorso luglio, l’anfiteatro fondato dall’attore inserito nella lista nera Will Geer, co-protagonista del classico di sinistra del 1954 “Il sale della terra”, ha presentato in anteprima mondiale “Trouble the Water” della direttrice artistica e drammaturga Ellen Geer, una versione teatrale dell’opera di Rebecca Dwight Bruff Romanzo del 2019 sull’eroe dell’era della guerra civile e della ricostruzione Robert Smalls, un ex schiavo che requisì una nave confederata e fu eletto al Congresso.
Gli adattamenti dei classici di WGTB includono il ripristino del 2009 di Ellen Geer e Heidi Helen Davis di “The Cherry Orchard” – il classico del 1904 di Anton Chekhov originariamente ambientato in Russia – nella Virginia degli anni ’70 sulla scia del movimento per i diritti civili. Nel 2019, Geer ha rielaborato An Enemy of the People del 1882 del drammaturgo norvegese Henrik Ibsen per ambientarlo nel 1980 nella Carolina del Sud durante la corsa presidenziale tra Jimmy Carter e Ronald Reagan. Il proverbiale sipario del “Nemico” aggiornato si è alzato con l’ex Gran Mago del KKK David Duke che si è rivolto a un raduno di “potere bianco”, vomitando la “parola N”.
John Perrin Flynn, il direttore artistico di produzione di Rogue Machine, che ha superato il Mark Taper Forum, molto più grande e meglio finanziato, The Geffen e il Wallis Annenberg Center for the Performing Arts con sede a Beverly Hills per vincere il miglior premio Ovation del 2017 per la migliore stagione , afferma: “La nostra dichiarazione d’intenti afferma che siamo qui per produrre nuove commedie, principalmente di drammaturghi con sede a Los Angeles, e commedie che sono nuove a Los Angeles. Crediamo fermamente che il piccolo teatro di Los Angeles dovrebbe produrre nuovi lavori. Crediamo anche che ci siano alcune commedie molto importanti scritte altrove che non si vedono a Los Angeles e cerchiamo di produrre anche quelle commedie.
Le produzioni rivoluzionarie e montate in modo innovativo di Rogue Machine includono interpretazioni incisive su argomenti incisivi. Nel 2018, il debutto sulla costa occidentale di “Finks” di Joe Gilford (figlio degli attori nella lista nera Jack Gilford e Madeline Lee) si è alternato sul palco con la prima americana del bio-play del bardo britannico Tom Morton-Smith “Oppenheimer”, sul fisico nucleare J Robert Oppenheimer, che ha espresso dei ripensamenti dopo i bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki. Entrambi i drammi hanno affrontato la censura e la persecuzione politica durante l’era del terrore rosso del secondo dopoguerra. “Cock” del drammaturgo britannico Mike Bartlett ha dato uno sguardo bruciante alla sessualità e all’identità binarie nel 2014.
L’etnia è al centro della scena
Molti dei drammi di attualità di Rogue affrontano quello che molti considerano l’argomento più spinoso d’America: la razza. Nel 2018, Rogue Machine ha presentato in anteprima mondiale “American Saga: Gunshot Medley: Part 1”, un dramma etereo sulla violenza armata che prende di mira gli afroamericani, scritto da Dionna Michelle Daniel, che, come la defunta drammaturga Lorraine Hansberry, è giovane, dotata e nera . Mentre “A Raisin in the Sun” di quest’ultimo del 1959, ambientato a Chicago, viene spesso ripreso, Rogue ha rimesso in scena nel 2017 il dramma anticoloniale ambientato in Africa del 1970 di Hansberry “Les Blancs”. la saga “Dutch Masters” ha fornito un altro sguardo senza guanti al razzismo.
Ma il dramma più potente della compagnia sul razzismo è stato “One Night in Miami” di Kemp Powers, un’immaginazione di ciò che accadde nel 1964 quando Malcolm X, Sam Cooke e Jim Brown si unirono a Cassius Clay nella sua camera d’albergo poco dopo che il pugile vinse il titolo mondiale dei pesi massimi Championship e prima di cambiare il suo nome in Muhammad Ali, presentato in anteprima mondiale al Rogue Machine nel 2013.
L’etnia è l’essenza dell’esperienza offerta da una varietà di punti vendita di Los Angeles. Il Los Angeles Theatre Center (LATC) è un importante complesso del centro che comprende cinque spazi dedicati al palcoscenico dal vivo. Prende il nome dal leggendario attore, attivista e cantante Paul Robeson, la Robey Theatre Company afferma sul suo sito web che la sua missione è “promuovere una comunità di artisti il cui scopo è sviluppare e produrre opere teatrali scritte sull’esperienza globale dei neri. Fondamentalmente, l’organizzazione è impegnata a realizzare il cambiamento sociale e alla conservazione, produzione e reinterpretazione dei celebri “Black Classics” nel suo Theatre Four da 99 posti. L’attore Ben Guillory è l’amministratore delegato e direttore artistico di produzione del Robey Theatre.
La città di Los Angeles possiede LATC e nel 2006 la Latino Theatre Company (LTC) ha ottenuto un contratto di locazione a lungo termine per gestire lo stabilimento di Spring Street, dove sono state prodotte più di 155 opere teatrali. Il direttore artistico di LTC, Jose Luis Valenzuela, e i suoi due direttori artistici associati, la drammaturga Evelina Fernandez e l’attore Sal Lopez, sono le luci guida di questa compagnia, che secondo la sua sito web, è “[d]edicato sia per servire la comunità latina/o/x sia per riflettere le diverse esperienze culturali di Los Angeles”.
Situato nel quartiere di Little Tokyo, nel centro di Los Angeles, East West Players (EWP), giunto alla sua 57a edizione, chiama se stesso “il teatro asiatico-americano più grande e longevo della nazione”. Il sito Web di EWP descrive la sua missione come “aumentare la visibilità dell’esperienza asiatico-americana presentando produzioni teatrali creative di livello mondiale, sviluppando artisti di colore e fornendo programmi di educazione giovanile di grande impatto”. La sua visione “è quella di ispirare e sostenere un mondo libero dal razzismo e dalla discriminazione attraverso opere artistiche trasformative”. Il palco principale di EWP è il David Henry Hwang Theater, con circa 270 posti a sedere.
Kristina Wong in “Kristina Wong, Sweatshop Overlord” al Kirk Douglas Theatre del Center Theatre Group dal 12 febbraio al 12 marzo 2023, una coproduzione con East West Players.
Foto di Javier Vasquez
Fondata nel 1993, secondo la sua sito web, la missione del West Coast Jewish Theatre (WCJT) è “ritrarre la storia, la filosofia e la cultura ebraiche attraverso produzioni teatrali che trattano della vita ebraica nei giorni passati, presenti e futuri. Attraverso queste presentazioni speriamo di promuovere il rispetto e la comprensione del patrimonio ebraico”. Gli “obiettivi” del WCJT sono: “Mantenere vive le opere drammatiche del passato e promuovere e incoraggiare drammaturghi nuovi e contemporanei le cui opere trattano temi ebraici; [t] raggiungere i membri della comunità ebraica e i loro figli e offrire loro l’opportunità di connettersi positivamente con le loro radici, la loro etnia e la loro famiglia; e [t]o rappresentare alla comunità non ebraica le qualità uniche del popolo ebraico, e quelle qualità condivise con tutti che ci rendono tutti uguali nella famiglia dell’uomo. Le produzioni di WCJT, che hanno incluso opere di importanti drammaturghi ebrei come Arthur Miller e Neil Simon, sono state presentate nell’intimo Pico Playhouse su Pico Boulevard.
L’identità di genere sotto i riflettori
Il Los Angeles Women’s Theatre Festival (LAWTF), che fatture stesse come “un festival multiculturale di artisti solisti” è stato co-fondato dall’attrice afroamericana Adilah Barnes e comprende artisti di molte etnie. Tuttavia, ciò che distingue questa festa multidisciplinare annuale è che ognuno degli artisti è donna e tutte le esibizioni sono spettacoli di una donna, che vanno dal teatro alla musica, alla danza e oltre. Quest’anno ricorre il 30° anniversario del LAWTF e il festival (che si svolgerà dal 23 al 26 marzo) prende il via con una cerimonia di premiazione di gala e spettacoli dal vivo presso lo spazio del proscenio da 299 posti del Barnsdall Gallery Theatre sull’Hollywood Boulevard, situato vicino allo storico Frank Lloyd Wright -progettato Hollyhock House.
Nel 1982, il Celebration Theatre è stato fondato dall’attivista per i diritti dei gay e co-fondatore della Mattachine Society Chuck Rowland. Oggi, il Celebration Theatre è un teatro residente presso il Los Angeles LGBT Center di Hollywood. Secondo il suo sito web, “Essendo uno dei teatri LGBTQIA+ più longevi del nostro paese, Celebration ha una storia di creazione di teatri pluripremiati, stimolanti, coinvolgenti e divertenti che celebrano l’esperienza LGBTQIA+. Celebration Theatre è cresciuto con la comunità, ampliando la sua visione e ambizione producendo una vasta gamma di spettacoli teatrali, da nuove voci a nuove visioni di vecchi favoriti.
Star Power: l’impollinazione incrociata di palcoscenico e schermo
Il mondo del teatro di L.A. ha caratteristiche uniche e, come sottolinea Flynn di Rogue Machine, che ha un passato da produttore televisivo: per continuare a lavorare sulla loro arte. Essere in bilico tra le industrie cinematografiche, televisive e musicali offre un immenso pool di artisti e artigiani di talento che alimenta la scena teatrale dal vivo della Città degli Angeli. Le case più grandi, di medie dimensioni e intime spesso attingono a questo serbatoio di creatività che ha anche l’ulteriore vantaggio di PR di attirare il pubblico a vedere gli attori con lo status di celebrità – da vicino e di persona – calpestare le scene.
L’Allegato A potrebbe benissimo essere la riunione di Ahmanson nel 2011 del cast originale di Broadway candidato al Tony Award di “God of Carnage”, con James Gandolfini (tre volte vincitore di un Emmy Award per la popolarissima serie televisiva della HBO “The Sopranos”), il due volte vincitore dell’Emmy Jeff Daniels, la tre volte candidata agli Emmy Hope Davis e il premio Oscar Marcia Gay Harden, che ha vinto il Tony come migliore attrice protagonista per “Carnage”, che ha ottenuto anche il premio per la migliore opera teatrale e il miglior regista. Allo stesso modo, alla fine del 2021, quando gli Ahmanson sono tornati a teatro dal vivo con l’amato “A Christmas Carol” di Charles Dickens, Bradley Whitford della fama televisiva di “West Wing” ha interpretato Scrooge.
Molte, se non la maggior parte, delle persone che lavorano nell’industria cinematografica e televisiva hanno iniziato a lavorare nel teatro. E molti hanno ancora una forte passione per essere sul palco.
French Stewart, la co-protagonista delle sitcom televisive “3rd Rock From the Sun” e “Mom”, non è estranea al palcoscenico di Los Angeles. In un doppio ruolo, ha interpretato in modo esilarante Sigmund Freud e la regina Vittoria in “Watson: The Last Great Tale of the Legendary Sherlock Holmes” del 2010 nell’intimo Sacred Fools Theatre. Stewart ha brillantemente interpretato l’omonimo comico del cinema muto in “Stoneface: The Rise and Fall and Rise of Buster Keaton” per Sacred Fools nel 2012, e poi al Pasadena Playhouse da 686 posti nel 2014. French ha anche recitato accanto a sua moglie, l’attrice e la drammaturga Vanessa Claire Stewart, in “Finks” di Rogue Machine del 2018 e in “Deadly” del 2019, nel nuovo spazio da 96 posti di Sacred Fools, il Broadwater Main Stage, all’Hollywood Theatre Row, il quartiere dei teatri dal vivo che comprende circa 22 palchi.
Nel 2015, la quattro volte vincitrice dell’Emmy Award (per “Roseanne” e “Hacks”) e candidata all’Oscar (per “Lady Bird” del 2017) Laurie Metcalf ha recitato nella straziante tragicommedia “Trevor”, su uno scimpanzé cresciuto come un essere umano al Atwater Village Theatre da 99 posti, Teatro n. George Takei della fama di “Star Trek” ha recitato nel musical “Allegiance”, basato sulla sua esperienza come una delle 120.000 persone di origine giapponese imprigionate nei campi di internamento statunitensi durante la seconda guerra mondiale, che è stato coprodotto da East West Players e Centro culturale e comunitario giapponese americano presso il teatro Aratani da 880 posti nel 2018.
Jonah Robinson in “Lifespan of a Fact” al Fountain Theatre / Foto di Jenny Graham
La produzione di La Mirada del 2019 dell’adattamento musicale del film “Grumpy Old Men” ha come co-protagonista Hal Linden della sitcom televisiva di lunga data “Barney Miller”. Sally Struthers, dell’amato film televisivo “All in the Family” e “Una mamma per amica”, ha recitato nel ruolo di Frau Blücher (indovina i cavalli!) in “Young Frankenstein” di La Mirada del 2022. Allo stesso modo, Teri Hatcher — una Bond girl nel thriller di 007 del 1997 “Tomorrow Never Dies” e una delle omonime mogli nella popolare serie televisiva “Desperate Housewives” — ha interpretato Morticia nell’adattamento musicale teatrale del cartone animato-TV-sitcom-film “The Addams Family” al Kavli Theatre da 1.800 posti presso il Bank of America Performing Arts Center di Thousand Oaks, nella contea di Ventura, nel 2022. Nello stesso anno, Bryan Cranston, la star dell’acclamata serie televisiva “Breaking Bad” — candidato all’Oscar per il biopic del 2015 di uno sceneggiatore inserito nella lista nera in “Trumbo” — ha recitato insieme ad Amy Brenneman, della serie televisiva “NYPD Blue” e “Judging Amy”, nel dramma antifascista “Power of Sail” al Geffen Playhouse.
L’economia del dramma
La sua vicinanza a Hollywood ha anche ripercussioni economiche per il teatro di Los Angeles. Flynn dice: “Sebbene non sia affatto economico, la produzione a Los Angeles è decisamente più economica che a New York e l’esistenza del piccolo contratto teatrale dell’Actor’s Equity Association consente ai teatri di correre dei rischi”.
Sachs, d’altra parte, brontola: “Produrre uno spettacolo a Los Angeles, anche in un teatro da 99 posti, è diventato astronomicamente costoso. Creo teatro a Los Angeles da molto tempo e non ho mai visto spese così alte. Tutto costa di più. Il legname, la vernice, gli strumenti, le attrezzature di produzione e le persone che li usano costano il doppio o il triplo rispetto a prima della pandemia. Progetto di legge 5 dell’Assemblea della California (AB5) è entrato in vigore due mesi prima che la pandemia colpisse. L’impatto di questo atto legislativo è devastante per le piccole organizzazioni artistiche. I costi del personale sono saliti alle stelle. I budget sono saliti alle stelle”.
Il co-fondatore e direttore artistico e drammaturgo di The Fountain continua dicendo: “Sarebbe difficile per un attore guadagnarsi da vivere solo facendo teatro a Los Angeles. La maggior parte degli attori lavora in tutti i media: film, TV, voci fuori campo, audiolibri e teatro. I direttori di scena della Professional Actors Equity Association possono guadagnarsi da vivere a Los Angeles, ma molti fanno tournée fuori città. I designer locali possono cavarsela, ma devono prenotare molti spettacoli e lavorare costantemente per guadagnare abbastanza soldi. Mi guadagno da vivere come produttore teatrale a Los Angeles da 36 anni”.
I posti da 99 e meno tendono a montare opere più originali, spigolose e sperimentali rivolte a frequentatori di teatro più avventurosi.
Pressman di CTG ha un’altra opinione: “È certamente una sfida guadagnarsi da vivere facendo solo teatro in una città come Los Angeles, o qualsiasi altra città per quella materia. Si può fare? SÌ. Ma non è sempre facile. E sì, molte persone devono integrare il loro lavoro teatrale con altre entrate. Al Center Theatre Group, abbiamo il privilegio di avere le risorse per supportare il cast e la troupe, così come gli artisti che partecipano attraverso la nostra programmazione Education and Community Partnerships. Questi sono spesso professionisti altamente qualificati e qualificati, che dovrebbero essere ricompensati per quello che fanno. E siamo abbastanza fortunati da poterlo fare”.
Sachs sottolinea un altro ostacolo che deve affrontare la miriade di teatri di Los Angeles, ognuno dei quali cerca di spargere la voce sulle proprie produzioni. “Ogni giornale e punto vendita in città ha ridotto in modo significativo la sua copertura artistica o l’ha tagliata del tutto”, afferma. “Ci sono meno critici teatrali pagati e giornalisti artistici professionisti che mai. A causa dei tagli, il Los Angeles Times ora ha essenzialmente un critico teatrale. Per una città delle nostre dimensioni, con centinaia di teatri che producono più di mille spettacoli all’anno, questa è una sfida. C’è stato un aumento di revisori e blogger indipendenti che hanno colmato le lacune”.
Per amore di esso
Pressman di CTG afferma: “Molte, se non la maggior parte, persone che lavorano nell’industria cinematografica e televisiva hanno iniziato a lavorare nel teatro. E molti hanno ancora una forte passione per essere sul palco. Spesso è lì che è iniziato l’amore per la narrazione. Nonostante il taglio di stipendio che gli attori del grande e del piccolo schermo generalmente subiscono quando calcano le scene, esibirsi nel teatro legittimo offre anche la sua parte di vantaggi agli attori.
Secondo Inger Tudor, che al momento della stesura di questo articolo è co-protagonista nel film a tre mani del Fountain Theatre “The Lifespan of a Fact” e ha interpretato l’attrice Rose McClendon, fondatrice del Negro People’s Theatre, nel film del 2022 “Voodoo Macbeth”: “Gli attori che fanno teatro qui lo fanno perché lo amano e se sei qui per fare film e TV finché non raggiungi un certo livello, il teatro potrebbe essere l’unico posto in cui puoi sviluppare un personaggio e interpretarlo durante l’intero arco di un pezzo, al contrario solo in una scena qua o là in uno spettacolo televisivo o in un film. Tuttavia, Tudor, che ha una lunga lista di crediti cinematografici grandi e piccoli, si lamenta: “È molto difficile perché ci sono così pochi teatri a Los Angeles che hanno contratti più grandi che consentono di lavorare abbastanza e guadagnare abbastanza soldi per guadagnarsi da vivere. .”
Sachs continua dicendo: “Los Angeles è un mercato teatrale estremamente importante per agenti e produttori”. I nuovi arrivati che lavorano a squarciagola per pochi soldi o per niente non sanno mai chi potrebbe nascondersi tra il pubblico. Questo critico ha visto Tom Hanks e Rita Wilson assistere a spettacoli in teatri intimi, dove hanno scoperto Nia Vardalos nella sua mostra personale del 1997 “My Big Fat Greek Wedding” al minuscolo Hudson Backstage Theatre e hanno portato la commedia romantica sul grande schermo, dove ha guadagnato quasi un quarto di miliardo di dollari. Un altro sogno hollywoodiano diventato realtà per il teatro di Los Angeles è One Night in Miami, diretto da Regina King, che ha debuttato al Rogue Machine nel 2013 e ha continuato ad essere adattato per il grande schermo nel 2020. Il dramma è stato candidato a tre Oscar, tra cui quello per il drammaturgo diventato sceneggiatore Kemp Powers nella categoria Migliore sceneggiatura adattata.
Inger Tudor e Jonah Robinson in “Lifespan of a Fact” al Fountain Theatre / Foto di Jenny Graham
Molto prima di raggiungere fama e fortuna come sorella televisiva di Roseanne Barr negli anni ’80, Laurie Metcalf si è tagliata i denti come attrice lavorando con la venerabile Steppenwolf Theatre Company di Chicago. Ha continuato a recitare nella produzione off-off-Broadway di Steppenwolf del 1984 del premio Pulitzer e del vincitore dell’Obie Award Lanford Wilson “Balm in Gilead” al Circle Repertory nel Greenwich Village, per il quale Metcalf ha vinto l’Obie Award come migliore attrice. Metcalf ha continuato ad apparire a Broadway in spettacoli come “November” di David Mamet, per il quale è stata nominata ai Tony. Dopo aver recitato nel ruolo di Jackie in “Roseanne” (un ruolo che sta ancora interpretando in “The Conners” della ABC), Metcalf è tornata alle sue radici teatrali sul palco di New York, Chicago, nel West End di Londra e in produzioni di Los Angeles, come “Voice Lessons” di fronte a French Stewart allo Zephyr Theatre da 74 posti su Melrose Avenue.
La fusione tra teatro e schermo può essere rappresentata al meglio da Tim Robbins, che ha co-fondato The Actors’ Gang nel 1981. In interviste precedenti, Robbins mi ha detto che i poteri forti di Hollywood hanno permesso a Robbins di dirigere solo tre lungometraggi, anche se è stato candidato all’Oscar come miglior regista per il film del 1995 “Dead Man Walking”. Sebbene l’attore vincitore dell’Oscar abbia presumibilmente ricevuto stipendi molto più alti per i suoi ruoli cinematografici, come drammaturgo e direttore artistico di The Gang, ha il potere di esercitare un controllo molto più creativo sul palco di quanto non sia stato in grado di fare sullo schermo.
Da vicino, personale e viscerale: The Living Theatre
Oltre a offrire agli artisti l’opportunità di praticare ed espandere il proprio mestiere, oltre alla possibilità di essere scoperti da talent scout alla ricerca dell’ultima proprietà di tendenza, il palcoscenico di Los Angeles offre qualcosa agli attori, ecc. al., che i film, i programmi TV, gli spot pubblicitari, i programmi in streaming, le serie web e così via non possono mai farlo.
Flynn, che è stato nominato agli Emmy per la miniserie TV del 1992 “The Burden of Proof” e ha co-fondato Rogue Machine nel 2008, dice: “Niente può essere paragonato al teatro dal vivo. Non è mai lo stesso. Ogni notte è diversa. C’è sempre un elemento di improvvisazione. Il pubblico sta vivendo lo spettacolo in comunità, insieme. Il pubblico del teatro dal vivo partecipa all’esperienza, non osservatore, e impariamo dall’esperienza.
The Fountain’s Sachs elabora: “I neuroscienziati hanno ora dimostrato ciò che la gente del teatro sapeva da anni. I battiti del cuore dei membri del pubblico in realtà si sincronizzano e battono insieme all’unisono durante la visione di un’esibizione dal vivo di un’opera teatrale o di un musical. I cuori dei membri del pubblico stavano rispondendo all’unisono, con le loro pulsazioni che acceleravano e rallentavano insieme allo stesso ritmo. Lo studio ha rilevato che le coppie e gli amici continuano ad avere battiti cardiaci sincronizzati durante l’intervallo. Credo che lo scopo fondamentale e più sacro del teatro sia portare una varietà di individui in un luogo comune dove condividere insieme un’esperienza umana significativa. Questo studio lo dimostra fisiologicamente. I nostri cuori battono insieme. Può esserci una chiamata più alta? Non credo.
L’attrice Inger Tudor fa eco a questi sentimenti: “C’è qualcosa di molto diverso e magico nell’avere attori a pochi passi da te e vederli reagire sul momento a tutto ciò che accade nella scena. Per me, aumenta l’effetto di ciò che stanno rappresentando e le emozioni che provi come membro del pubblico perché sei proprio lì con loro”.
La fusione tra teatro e schermo può essere rappresentata al meglio da Tim Robbins, che ha co-fondato The Actors’ Gang nel 1981.
Pressman di CTG concorda: “Il teatro offre un’esperienza condivisa che non puoi ottenere dai film, dalla TV e dallo streaming. C’è qualcosa di magico che accade quando un gruppo di estranei si riunisce in una stanza insieme per impegnarsi, interpretare ed essere intrattenuto dal teatro dal vivo. Una singola risata o una lacrima possono trasformarsi in mille in un istante. Non c’è niente di simile a quell’esperienza. È singolare che trascende il tempo e lo spazio. Fondamentalmente, il teatro non può esistere senza un pubblico. Hai bisogno di quell’esperienza condivisa.
Anche gli effetti speciali di un blockbuster hollywoodiano probabilmente non possono competere con il gioco di spade di 50 attori che duellano in una tragedia shakespeariana dal vivo sotto le stelle sulle tavole del Theatricum Botanicum di Will Geer, mentre i portatori di lance rivestiti di toga galoppano fuori dal palco intorno ai boschi del Topanga Canyon e su le file dell’anfiteatro (attenzione a tenere i piedi fuori dalle navate!).
Il prossimo atto?
Nonostante le battute d’arresto causate dalla pandemia, molti dei palchi dal vivo di Los Angeles stanno, in quella grande tradizione dello spettacolo, tornando in auge. Meghan Pressman di CTG afferma: “Abbiamo chiuso l’anno [2022] con segni di speranza. “2:22 — A Ghost Story” si è comportato molto bene all’Ahmanson, così come “Ain’t Too Proud: The Life and Times of the Temptations”, che ha superato le nostre aspettative ed è andato straordinariamente bene. Il pubblico è stato un po’ più lento a tornare al Mark Taper Forum. Ma il nostro primo spettacolo dell’anno al Kirk Douglas Theatre – “Kristina Wong, Sweatshop Overlord” – è stato pieno di pubblico entusiasta ogni sera della sua corsa. Quindi, siamo ancora in tempi sconosciuti e imprevedibili, ma sembra che ci sia luce dietro la curva”.
Il direttore artistico di produzione di Rogue Machine, John Perrin Flynn, che si è dilettato per la prima volta con il teatro negli anni ’70 e poi è tornato alla ribalta nel 2006, riassume così: “Il teatro a Los Angeles è e dovrebbe essere un calderone. Un luogo per nuovi lavori e nuovi artisti da definire e perfezionare”.
“Sta avvenendo un cambiamento profondo e fondamentale nella comunità teatrale di Los Angeles, in quelli di noi che fanno teatro e in quelli che lo frequentano”, dichiara Sachs, direttore artistico di Fountain. “Con l’allontanamento della pandemia, sembra che stiamo uscendo tutti dalle nostre caverne, strizzando gli occhi al sole splendente e chiedendoci: ‘Che cos’è? Cosa significa per me adesso?’ C’è una profonda rivalutazione in atto dentro tutti noi, di noi stessi e della nostra forma d’arte. Il che è salutare perché tutti noi siamo cambiati. In che modo tutto questo influenza l’arte? Vedremo. Sono a conoscenza di un cambio di guardia in corso, come dovrebbe essere. Quelli di noi che sono qui da molto tempo si faranno da parte per la prossima generazione di leader artistici. Il paesaggio sta cambiando. I prossimi anni determineranno come sarà il futuro”.
La posta Quando si tratta di teatro, Los Angeles è al centro della scena apparso per primo su Verità.
Fonte: www.veritydig.com